NOTICIAS TEATRALES - DE BOLOS - Edición de 31-1-2012

NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 31-1-2012

Pedra a pedra, del TEATRE DE L’HOME DIBUIXAT. se representará en coreano

La compañía castellonense El Teatre de L’Home Dibuixat da la sensación de no conocer la crisis. Empieza este año 2012 con una seria de giras que le llevarán por Europa, Asia y América, para realizar más de 120 funciones, según las previsiones actuales. Y es que su premiada obra “Piedra a piedra”, sobrepasa las fronteras y se representará, incluso, en coreano.

Una creativa historia con piedras y de piedras, dirigida y escrita por Rosa Díaz (Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2011, otorgado por el Ministerio de Cultura) que habla sobre la amistad, la intolerancia y la creatividad, sorprendiendo a todos los públicos a partir de 2 años y generando grandes dosis de imaginación.

En 4 años de gira y más de 750 funciones, su protagonista, el hombre lata, ha presentado su historia en España, Francia, Portugal, Italia, Suiza, Polonia, Canadá, Honduras, Costa Rica, República Dominicana, Haití, Marruecos y México.

Entre las citas más esperadas por la compañía, podemos destacar su participación en la XXI edición del Festival MOMIX en Francia, el VIII Festival Petits Bonheurs (Canadá), International Festival of Children’s Theatre de Subótica (Serbia), el XI Festival Pepites-l’Art des Touts petits de Charleroi (Bélgica), el XXI UNIMA Congress and Puppet Festival in Chengdu (China), el VIII Kijimuna Festa de Okinawa (Japón), el XXII Chuncheon Puppet Festival (Corea del Sur) y el XIV International Puppet Theatre Festival Mobarak de Teherán (Irán).

En palabras del actor vinarocense Tian Gombau, alma mater de la compañía: “Piedra a piedra es un espectáculo que no deja de sorprenderme cada día, tanto durante las funciones por la reacción del público, como por las posibilidades que me está dando de conocer todo el mundo. Cuando en los años 80 soñaba en Vinaròs con ser profesional, nunca hubiese imaginado que esa profesión sería ejercida en lugares tan distantes de mi ciudad natal.”

CICLO DOMINGOS DE TÍTERES 2012 en Bilbao

La Sala Cúpula del ARTERIA Campos Elíseos acogerá, por segundo año consecutivo, del 12 de febrero al 1 de abril de 2012, una programación estable de títeres todos los domingos, en horarios de mediodía (12:30) y tarde (17:00).

Esta programación titiritera, dirigida en especial a familias con niños, es única en su género en Euskadi y una de las pocas desarrolladas en todo el Estado español.

La programación prevista, ha contado con el asesoramiento de Concha de la Casa, Directora del Festival Internacional de Títeres y del Centro de Documentación de Títeres de Bilbao, en coordinación con Ignacio Casado, Director del espacio. Objetivo, convertirlo en un referente de las marionetas.

Primeras funciones:

Teatro Arbolé: ‘El soldadito de plomo’ - 12 de febrero

Toni La Sal: ‘El ladrón de cuentos’ -19 de febrero

PROGRAMACIÓN DE LA BARCA OTRO TEATRO (SEVILLA) PARA EL MES DE FEBRERO

El grupo de alumno de Improvisación de La Barca Otro Teatro, jugará Match de Improvisación en Bar Garufa.

Días 9, 16 y 23 de febrero, a las 21.30h.

A Todo Trapo abre febrero en la Sala El Cachorro con nuevas funciones.

Un espectáculo de humor, donde una mujer muestra la capacidad de vivir múltiples transformaciones sin dejar de ser quien es.

Días 3, 4, 10 y 11 de febrero a las 21h. - Entrada 8€

Talleres con Pepa Díaz-Meco

- MELODRAMA: miércoles de 18h a 20.30h. Empezamos el 1 de febrero.

- BUFÓN: jueves de 19.30h a 22.30h. Empezamos el 2 de febrero.

MOLIENDO HISTORIAS (taller de teatro en la sierra).

Tras el éxito del taller programado para marzo, abrimos unas nuevas fechas para que puedas disfrutar de esta experiencia.

Días 18, 19 y 20 de mayo.

Más información: www.labarcaotroteatro.blogspot.com - labarcaotroteatro@gmail.com - Tlf.- 659 52 25 31 (María Lebrato)

Teatre Goya (Barcelona) presenta El tipo de la tumba de al lado

El tipo de la tumba de al lado, versión y dirección de Josep Maria Pou, con Maribel Verdú y Antonio Molero. Funciones en el Teatre Goya (C/ Joaquín Costa, 68 - Barcelona) a partir del 11 de febrero.

Una obra inspirada en el best-seller mundial de la escritora Katarina Mazetti, con versión y dirección de Josep Maria Pou, y con los actores Maribel Verdú y Antonio Molero, que por primera vez trabajan bajo la batuta del director y actor catalán. El montaje, una coproducción de Trasgo Producciones y Focus, se estrenará en el Teatro Goya el 16 de febrero, haciendo temporada en Barcelona hasta el 9 de abril.

¿Qué pinta una intelectual urbana en una granja? ¿Y un granjero de provincias en la ópera? La joven viuda Dafne y el torpe granjero Beni se sienten solos. Introvertida e intelectual ella. Rústico y franco él. Se conocen en el poco propicio marco de un cementerio visitando las tumbas de sus seres queridos. Una simple sonrisa hace saltar la chispa entre ellos. Pero la realidad cotidiana irrumpirá en su mundo para destacar, creando unas situaciones tan inverosímiles como divertidas, todas las diferencias que hay entre los dos. Un auténtico tratado sobre las diferencias sociales y culturales.

Funciones de miércoles a viernes a las 21h, los sábados a las 18h y las 21h y los domingos a las 17h y a las 19h. - Entradas de 25 a 29 euros

Carlo Colombara vuelve al Liceo de Barcelona con 14 funciones de La Bohème

Al bajo italiano Carlo Colombara le gusta empezar el año en su ciudad de adopción, Barcelona: en 2011 el público del Gran Teatre del Liceu le aplaudió en su interpretación de Enrico VIII de Anna Bolena, al lado de dos prime donne como Elina Grança y Edita Gruberova, y este año el italiano repite empezando su 2012 con La Bohème. La ópera pucciniana se representará los días 27 y 29 de febrero y 1, 3, 4, 6, 7, 9, 10, 12, 13, 16, 18 y 19 de marzo con las voces, entre otras, de Fiorenza Cedolins (Mimì), Ramón Vargas (Rodolfo) y Ainhoa Arteta (Musetta), dirigidos por el maestro Víctor Pablo Pérez y en una puesta en escena que firma Giancarlo del Monaco.

Colombara interpretará el personaje de Colline, filosofo bohemio que interpreta la única aria operística de todo el repertorio dedicada a un abrigo (“Vecchia zimarra”), el que se ve obligado a empañar para pagar los medicamentos de su agónica amiga Mimì. El papel es uno de los pocos que Puccini escribió para la cuerda de bajo, y por ello Colombara le guarda especial cariño: “Me gustaría poder cantar en más obras de Puccini, compositor que me encanta. Es un placer poder interpretarlo delante del público de Barcelona, que me acoge siempre con gran cariño”.

Después de debutarlo en 1990 en Bologna, Colombara ha interpretado este personaje en escenarios de Verona, Nápoles, A Coruña, Tel Aviv y Zúrich. Enamorado de España, el bajo italiano procura tener cada año en su agenda teatros españoles. En mayo será uno de los protagonistas de Nabucco en la temporada de ópera de Bilbao (ABAO) antes de volver, ya en la próxima temporada operística, a su amada Barcelona con La forza del destino.

En la imagen: Colombara en la producción de Franco Zeffirelli en Nápoles

ACTA, la Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Andalucía, reacciona ante la cifras de la última producción del Centro Andaluz de Teatro hechas públicas por la Junta de Andalucía

Una vez más asistimos con estupor a la noticia recogida en el día de hoy (10-1-2012) por varios medios de comunicación como El País, El Diario de Sevilla, El Ideal o El Diario de Cádiz, y que habla de la presentación del nuevo espectáculo del CAT. ( 1 )

Según nos cuenta la nota el presupuesto de producción está en torno a los 300.000€. A esta cantidad hay que añadirle una similar para su distribución por Andalucía según palabras del propio Consejero, por lo que el coste final del montaje, cuando acabe la gira sufragada por la Junta de Andalucía, será probablemente superior a los 600.000 euros. Sin entrar a valorar la propuesta nos parece que en medio de los continuos recortes en las ayudas al sector privado que estamos sufriendo, un gasto de esa envergadura se nos antoja como un disparate. En el pasado año 2011 la convocatoria de ayudas al sector privado ha sido de 790.000 € aproximadamente y se han beneficiado alrededor de 37 compañías en las modalidades de producción y gira. Es decir, en una sola producción institucional se ha invertido prácticamente la misma cantidad que en todo el apoyo a la producción y giras de todas las compañías andaluzas (unas 250), de las cuales solo 37 han obtenido dicho apoyo (se presentaron unas 120 compañías a la convocatoria de subvenciones).

Cualquier ciudadano puede realizar su propia comparativa entre la repercusión de una sola producción y una gira inicial por nueve ciudades (según publica la prensa) respecto a 37 giras de 37 espectáculos producidos por las mencionadas 37 compañías.

Entendemos que pueda existir una producción pública al hilo de la conmemoración de la Constitución de 1812 pero también creemos que este tipo de acciones culturales se pueden realizar desde otros modelos y fórmulas de gestión y producción, por ejemplo en colaboración con el sector privado, desde donde con toda probabiliad se podrían acometer con cifras más cercanas a la realidad que en estos momentos amenaza al mundo de la cultura en general y de las artes escénicas en particular.

Según leemos en alguno de los artículos publicados en prensa -por ejemplo en Diario de Sevilla-, se expresa claramente que este tipo de producciones no las puede llevar a cabo el sector privado. Es evidente y salta a la vista que el sector privado andaluz no puede contar a día de hoy con esos presupuestos para abordar semejantes aventuras escénicas. Lo que cuestionamos y rechazamos es que en estos momentos se sigan haciendo estas apuestas institucionales que como casi todas quedarán restringidas en un ámbito particular.

En ese sentido queremos recordar que desde ACTA ya hemos definido y pactado con la administración autonómica algunas formas de coproducción entre el sector publico y el privado que han de ser, sobre todo ahora, fórmulas de futuro que procuren que las artes escénicas no se hundan entre tantos recortes y reducciones presupuestarias. En este marco se pueden ubicar este tipo de espectáculos enfocados de una manera más racional y sostenible en cuanto al presupuesto.

Por lo tanto expresamos nuestro rechazo de plano a estas inversiones carentes de rédito social y económico, las cuales, se nos vuelven a aparecer como fantasmas de un pasado no muy lejano.

FIRMADO: La Asociación - Más información: www.teatroandaluz.es

( 1 ) N. del E.: Aunque ACTA no cita el título de "la última producción", podemos confirmar que se trata de "El estado de sitio", de Albert Camus. Sobre este espectáculo se puede leer información en NT, sección AUTORES Y OBRAS, para ir pulsa aquí ->

Presentación de la Unión de Actores de la Región de Murcia

Se crea la Unión de Actores de la Región de Murcia. Como objetivo primordial para la asociación, “la necesidad de dignificar la profesión de actor”.

La Unión de Actores de la Región de Murcia (UARM) fue presentada oficialmente el 27 de diciembre de 2011 en la Consejería de Cultura. Fue inscrita en el registro de asociaciones de esta región el 11/11/2011.

El presidente de esta asociación, Salvador Serrano, señaló, “Como colectivo tenemos un objetivo: dignificar la profesión. Como todos sabéis, dignidad es el respeto y estima que una persona tiene de sí misma y merece que se lo tengan las demás personas. Conseguir el
respeto hacia la profesión de actor es básico y primordial, lo que se respeta se valora. Si el actor se perdiera, la sociedad perdería el espejo donde mirarse".

Otro de los objetivos vitales que persigue este colectivo es el de ejercer una representación colectiva y permanente de los actores de la Región ante todas las Instituciones Públicas, Privadas y Medios de Comunicación Social, en definitiva, promocionar social y culturalmente la profesión del actor/actriz y asumir la defensa de Actores y Actrices en su imagen pública, respeto y dignidad profesional dentro de los medios de comunicación.

Además la UARM pretende propiciar y promover uniones o confederaciones con otras Asociaciones de Actores que actúen en distintos ámbitos territoriales (estatales o internacionales)." El lunes, día 19-12-2011, se aprobó en la junta de gobierno de la FAEE su solicitud de ingreso. La UARM, desde ese momento, esta integrada en esa organización, que agrupa a las Uniones de Actores de las diferentes regiones del estado español.

En la Región de Murcia hay unos 200 actores en activo, ocho o diez compañías de teatro que trabajen periódicamente y con trabajo intermitente alrededor de la veintena. Respecto a las productoras audiovisuales unas 20 o 25 hacen trabajos periódicamente con la participación de actores. Además cada año alrededor de una treintena de nuevos licenciados terminan su formación en la Escuela Superior de Arte Dramático, la gran mayoría de procedencia murciana. "Todo esto nos lleva a ver que la profesión de actor está muy presente en la sociedad murciana y entonces se hacía necesario la creación de una asociación que los aglutinara"

Al acto asistieron representantes de las principales compañías murcianas, programadores de teatros, asociaciones de productoras audiovisuales, el director de la ESAD, actores destacados de la región y otros agentes del medio artístico relacionados con la interpretación. El actor Juan Meseguer fue el invitado de honor en esta presentación representando a todos los actores murcianos que están fuera, pidió que de aquí en adelante "no tengan que avalarnos de fuera".

Por su parte, el consejero de Cultura, Pedro Alberto Cruz, señaló que “estos momentos de crisis es necesario todo este tipo de asociaciones que permitan la agrupación de los gremios”, puesto que 'sirven para vertebrar colaboraciones y, por supuesto, permiten una optimización de los medios que sin esta agrupación sería absolutamente imposible”.

Para unirse a la UARM es necesario ser licenciado de una escuela superior de arte dramático (o algún centro que imparta estudios referidos a la profesión de actor) o poder acreditar trabajos profesionales como actor. La dirección de correo electrónico para contactar con la UARM es uniónactoresregionmurcia@gmail.com.

Web:(en construcción en el momento de preparar esta edición (15-1-2012) www.uarm.es

35 ESPECTÁCULOS DIFERENTES CONFORMAN LA NUEVA TEMPORADA DEL TEATRO GAYARRE de Pamplona QUE SE EXTIENDE DE ENERO A MAYO

El Teatro Gayarre, de Pamplona, iniciará su temporada 2012 con una primera entrega que se extenderá hasta el mes de mayo, un periodo en el que se exhibirán 35 espectáculos en los que se dan cita el teatro, la danza y la música, una variedad de géneros dirigida a satisfacer todos los gustos del público del Teatro Gayarre. Compañías como Joglars, Animalario, Tango Metrópolis o el Ballet de Víctor Ullate; intérpretes como Juan Echanove, Ramón Fontseré, Ernesto Alterio, José María Pou, Andrés Lima, Alberto San Juan, Willy Toledo o Pablo Carbonell; directores como Albert Boadella, Calixto Bieito, Alfredo Sanzol o Andrés Lima… junto a músicos como Ruper Ordorika o Raimundo y Diego Amador o el musical “La fuerza del destino” en homenaje a Mecano, conforman la espina dorsal de la temporada Enero-Mayo 2012 del Teatro Gayarre, en la que además se incluyen dos producciones propias (“La importancia de llamarse Ernesto” y la zarzuela “Luisa Fernanda”), una nueva edición del ciclo Escena y Discapacidad, los habituales ciclos musicales de Grandes Intérpretes y de la Pamplonesa, y otros ciclos habituales como el Teatro Abierto o el Festival de Pascua dirigido al público familiar.

La programación general, en lo que teatro se refiere la abre el espectáculo “DESAPARECER” (sábado 7 de enero), un montaje creado a partir de textos de los cuentos de Edgar Allan Poe, protagonizado por Juan Echanove, cuya dirección recae en Calixto Bieito. Un espectáculo al que le pone la música en directo la pianista Maika Makovski, pareja de escenario de Juan Echanove.

La segunda cita de la temporada la protagoniza la veterana compañía Joglars, que celebra sus cincuenta años de existencia con la puesta en escena de la reposición, revisada, de su exitoso montaje teatral “EL NACIONAL” (viernes 13 y sábado 14 de enero), un espectáculo dirigido por Albert Boadella que cuenta con un elenco en el que, encabezados por el Premio Nacional de Teatro Ramón Fontseré, se dan cita todos los actores de la compañía: Jesús Agelet, Minnie Marx, Pilar Sáez, etc, junto a la soprano Begoña Alberdi y el barítono Enrique Sánchez.

Este capítulo teatral estrena el mes de febrero con “YO, EL HEREDERO” (viernes 3 y sábado 4 de febrero), un montaje escrito por el italiano Eduardo de Filippo, dirigido por Francesco Saporano, que cuenta con una escenografía diseñada por Andrea D’Odorico y un elenco encabezado por Ernesto Alterio y Concha Cuetos, en el que participan hasta once actores.

Febrero traerá también hasta el escenario pamplonés a José María Pou, director y actor principal del montaje teatral de John Boynton Priestley “LLAMA UN INSPECTOR” (viernes 17 y sábado 18 de febrero). El calendario de marzo cuenta también con una importante cita, “EL MONTAPLATOS” (sábado 31 de marzo), un texto de Harold Pinter que pone en escena la compañía Animalario bajo la dirección de Andrés Lima y la presencia en el escenario de dos destacados actores como son Alberto San Juan y Willy Toledo.

La programación teatral se cierra con una comedia de Gylles Dyrek, “VENECIA BAJO LA NIEVE” (sábado 21 de abril) interpretada por Pablo Carbonell, Marina San José, Eva Isanta y Carlos Heredia.

Para más información sobre otros espectáculos (Danza, Música, Circo, Infantil…):http://www.teatrogayarre.com/portal/index.asp

comunicado de Las principales asociaciones valencianas del sector del teatro, la danza y el circo sobre el retraso de las ayudas municipales

Valencia, 22 de diciembre 2011.- Las seis principales asociaciones que representan al sector profesional de las artes escénicas valencianas -Asociación Valenciana de Empresas de Danza (AVED), Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad Valenciana (APDCV), Asociación de Empresarios de Teatro y Circo (AVETID), Asociación de Actores y Actrices Profesionales Valencianos (AAPV), la Asociación de Profesionales del Circo de la Comunidad Valenciana (APCCV) y la Federación de Espacios Teatrales Independientes (FETI)-, han unido su voz para mostrar su preocupación por los últimos acontecimientos que afectan al ámbito escénico. Acontecimientos que, a su juicio, ponen en peligro “la sostenibilidad” del sector y se encaminan hacia el “desmantelamiento acelerado” del tejido que lo compone.

Las más de una treintena de compañías teatrales, de danza y circo, los varios centenares de actores, bailarines e intérpretes de circo y la media docena de espacios teatrales independientes agrupados en las distintas asociaciones denuncian el recorte de ayudas, cercano al 60%, que han sufrido en los dos últimos años por parte del Ayuntamiento de Valencia. Junto a ello, el colectivo profesional y artístico lamenta “el injustificable retraso de las ayudas municipales”, publicadas el pasado 7 de diciembre, que deberán resolverse prácticamente en el 2012. Una situación que ha obligado a los distintos agentes y profesionales a operar sin saber de lo que van a disponer para dicho período.

Los trabajadores de las artes escénicas valencianas manifiestan también la “incertidumbre e inseguridad” con la que vive el sector por “la falta de concreción” que, desde la Diputación de Valencia, se proyecta sobre el futuro del Servicio de Asistencia y Recursos Culturales (SARC), departamento que sostiene el circuito que hace de intermediario entre los colectivos artísticos y los ayuntamientos y que se hace cargo de parte de la financiación de sus contrataciones. En este punto, al igual que en el caso del consistorio, el tejido asociativo lamenta tener que seguir esperando la resolución de la red de compras de dicho organismo, al que muchas compañías y creadores se presentaron en el mes de mayo. Por ello, consideran “completamente inaceptable que no se haya informado públicamente de lo que está ocurriendo para no dar cabida a la extendida rumorología sobre su incierto futuro”.

Las distintas asociaciones muestran también su malestar ante “la lamentable suspensión del Festival VEO, espacio de referencia única para las artes escénicas en la ciudad y principal referente de innovación y contemporaneidad escénica en Valencia”. Recortes y cancelaciones que afectan al sector y, que en palabras del colectivo, “están en línea con los ya anunciados en los últimos meses por Teatres de la Generalitat Valenciana, tanto en lo que se refiere a la reformulación del Circuit de Teatres, como a los posibles recortes en las ayudas para 2012” .

Las asociaciones teatrales, de danza y circo afirman ser conscientes de la gravedad de la crisis actual, pero reclaman que los recortes sean “moderados” y “equilibrados”, y que es de absoluta prioridad “que se consulten con el sector en aras de encontrar fórmulas de compensación y equilibrio que no desmantelen directamente el tejido existente”. Unas fórmulas de compensación que deben ir hacia “la implementación de nuevas ideas en la gestión que caminen hacia la racionalización de los recursos, favorezcan el hecho de compartir los mismos y vinculen la creación con el territorio y la ciudadanía”.

Por último, los distintos agentes consideran que en este momento de crisis es más necesario que nunca seguir teniendo “una línea estratégica de qué hacer con y cómo apoyar al tejido de las artes escénicas”, del mismo modo que “redirigir algunos objetivos de las políticas culturales hacia el trabajo de base con los creadores y trabajadores de la cultura (incluyendo también a los públicos) de la ciudad y la Comunidad que, en última instancia, son la fuerza viva existente”. Por todo ello, el colectivo insta a las diferentes administraciones implicadas a que “dialoguen y consensúen” con el sector las políticas y estrategias a seguir, “puesto que una política cultural caracterizada por el hermetismo o la falta de información, y que se realice de espaldas al sector, está condenada al más absoluto fracaso”.

AVED (Asociación Valenciana de Empresarios de Danza)

APDCV (Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad Valenciana)

AVETID (Asociación Valenciana de Empresarios de Teatro y Circo)

AAPV (Asociación de Actores y Actrices Profesionales valencianos)

APCCV (Asociación de Profesionales de Circo de la Comunidad Valenciana)

FETI (Federación de Espacios Teatrales Independientes)

LLORAR A CARCAJADAS

(Un reportaje de Juan Vinuesa sobre la Compañía Caramala)

La risa es un interlocutor hábil y engañoso. En la forma, la superficie es atractiva. En el fondo, puede remover tanto o más que un drama porque transmite indirectamente. No le gusta avisar. Ésta es la principal vía de comunicación de Caramala, una compañía que exhibe su talento y soltura por la escena desde hace tres años. Talento que ha sido reconocido con el Premio Desencaja 09 por su primer montaje La hora feliz y, recientemente, con el Premio al Mejor Espectáculo de Sala en la XIV Feria de Teatro de Castilla y León por su último espectáculo: Caramelo.

Allá por el año 2008 las actrices de Caramala albergaban dudas sobre su futuro profesional, incógnitas que despejaron casi a ciegas; con entusiasmo. Ése que derrochan Carmen Baquero, Noemí Ruiz y Virginia Muñoz, las tres integrantes de la compañía que entraron en contacto entre sí en el espacio de entrenamiento actoral Escénica. A la agrupación se unió Sergio Rubio como autor y director de sus dos montajes. “Sergio se convirtió en nuestro salvador, estábamos perdidas y él puso luz y oficio a algo que no sabíamos por dónde debía ir”, confiesa Carmen Baquero.

La compañía se adentró en la investigación de varios temas para crear La hora feliz y, sin advertirlo, se les presentó una fecha de estreno. El montaje de esta primera función fue paralelo al de la infraestructura de la compañía. La cascada de acontecimientos se precipitó de tal forma que no existió una función previa ni un ensayo ante público que sirviera para matizar el proceso. Y así, el estreno se convirtió en un precipicio ante el que no se arredraron. “Cuando escuchamos al público reírse, nos miramos y supimos que ya no había vuelta atrás, que esto iba en serio”, señala Virginia Muñoz.

Al equipo se sumó uno de los más reconocidos creadores andaluces, Julio Fraga, un valor seguro que asesoró el trabajo y contribuyó a la búsqueda del registro clown. “Admirábamos a Julio y su llegada fue otro punto importantísimo de confianza personal y profesional. ¿Cómo íbamos a parar ahora?”, señalan agradecidas mientras hablan de su tándem: “Julio y Sergio creen mucho el uno en el otro, y ambos confían más en nosotras que nosotras mismas”, confiesan las actrices.

La sencillez del primer trabajo germinó el proceso de la segunda comedia que presentaron en Granada: Caramelo. Este espectáculo enfrenta varias realidades que convergen en un mismo tiempo: la noche de Reyes. Narra el reencuentro de tres hermanas durante esa velada en la que los deseos infantiles de otros tiempos se han convertido en puñales. Cargarán con la responsabilidad de tornar lo agrio a dulce en un espectáculo que ha sido reconocido con el Premio al Mejor Espectáculo de Sala en la XIV Feria de Teatro de Castilla y León, feria a la que se presentaron 643 compañías internacionales.

Las tres actrices cuentan con una trayectoria que ha sobrepasado los márgenes de Caramala y que han sabido compaginar con su trabajo en ésta. Carmen Baquero ha participado en series como Los hombres de Paco, La Lola o S.O.S. Estudiantes, así como en las producciones teatrales Juro por Dios o Qué valor tenemos de la compañía La Mandrágora en la que, además, asumió el papel de componente y fundadora. Virginia Muñoz ha formado parte de las producciones Sinceros, Cómplices o, recientemente, Palomitas para la productora El Terrat. En el terreno teatral ha escrito su nombre en los repartos de A la luz de Góngora y McGod, entre otros. Por su parte, Noemí Ruiz ha desarrollado una trayectoria audiovisual que comprende series como Arrayán (de la que formaron parte las tres), o los largometrajes Fuga de Cerebros y Luna Llena. Su experiencia teatral en Al’Ammariyya o El chantajista precedieron su llegada a Caramala.

Estos trabajos individuales, lejos de desvanecer su conjunto ímpetu, lo refuerzan: “la compañía es nuestra casa, y los proyectos que llegan de fuera no hacen sino nutrirla”, reconocen las tres actrices que no dudan en señalar que “han pasado tres años, pero sin el apoyo de los amigos no hubiéramos podido hacer nada”. Al igual que en la vida diaria el teatro también ha de administrar sus recursos, y Caramala contaba con pocos. “Recordamos con agradecimiento desde la colaboración en producción de Alberto Jiménez Real a los pantalones que cosieron nuestras familias”, rememoran emocionadas. “Los premios y los grandes teatros los valoro más cuando miro los pololos de la primera función que me hizo mi madre”, confiesa Noemí Ruiz. A través de la comedia han realizado un lúcido y amargo análisis de algo tan complejo como la naturaleza humana y sus diversos e, incluso, sorprendentes e infames resortes. Todo mediante una sonrisa que ha venido para quedarse.

Para leer entrevista de Juan Vinuesa con Sergio Rubio, pulsa aquí ->

Juan Vinuesa

Juan Vinuesa (Granada – España)

Este texto fue publicado en el diario Granada Hoy y se reproduce con permiso del autor

MÁS DE 2.000 PERSONAS ASISTEN A LA XXVI MUESTRA DE TEATRO - TORREPEROGIL 2.6 (JAÉN)

El centro cultural “Alfonso Fernández Torres”, EN Torreperogil (Jaén) se quedó pequeño para albergar al público de la Muestra. Con más de 150 abonos vendidos poco más de 100 entradas por día restaban para completar el aforo del centro cultural que vio cómo decenas de personas quedaban en una larga cola sin poder acceder a los espectáculos de la sección oficial. Un hecho sin precedentes en la historia de este evento teatral que, en esta edición, se renueva gracias a la dirección de la compañía ymedioteatro.

Factoría Teatro, Pez en Raya o la Santa Compaña fueron algunas de las compañías que tuvieron el placer de colgar el cartel de “Entradas agotadas”.

Las actividades programadas dentro de la sección off se desarrollaron en espacios no convencionales como la galería comercial del mercado de abastos o el Paseo del Prado. En el primero tuvieron lugar espectáculos más cercanos al formato de café teatro y que el público acogió con entusiasmo. En el segundo se celebró un desayuno payaso. Juegos, concursos, churros y chocolate desfilaron bajo las narices rojas que más de 400 personas lucieron con desparpajo.

La organización asume con ilusión la responsabilidad de cubrir las expectativas que todo un pueblo pone para la próxima edición Torreperogil 2.7

Miles de personas asistieron como público al XXX Festival Internacional de Títeres de Bilbao

Concluyó la trigésima edición del Festival Internacional de Títeres de Bilbao. Las actuaciones ofrecidas en el Teatro Campos Elíseos de la capital vizcaína reunieron a miles de espectadores, una de las cifras más altas desde que este festival iniciara su andadura allá por el año 1982. Las compañías JuglarTeatro de Cuba y Roca Puppenbühne de Suiza, a modo de ejemplo, llegaron a colgar el cartel de “no hay entradas” en todas sus sesiones.

“Se ha ofrecido un programa de gran calidad y muy estructurado en horarios diversificados para los diferentes públicos”, detalla Concha de la Casa, directora del evento. “El atractivo del Campos Elíseos y la calidad de los grupos seleccionados ha hecho el resto. El balance es muy positivo y, en general, hemos recogido una satisfacción generalizada del público que pagó su entrada”.

La mayor asistencia a los espectáculos de títeres se registró, como era de esperar, durante los dos fines de semana, bajando algo los días entre semana, dedicados prioritariamente a funciones para centros escolares. “Hemos notado que la asistencia con entrada libre de los fines de semana ha aumentado notablemente respecto a otras ediciones mientras que la oferta para escuelas se ha estancado debido a la falta de presupuestos”, comenta Concha.

Dos de los dieciséis grupos programados, Baran Puppet de Irán y El Baúl de la Fantasía de Colombia suspendieron sus funciones al no conseguir los visados de trabajo en sus respectivos países. “Es algo que se escapa a nuestro control. La verdad es que ha sido un disgusto para la organización, las actuaciones del grupo colombiano fueron sustituidas por Panta Rhei Antzerkia de Vitoria-Gasteiz; las de la compañía de Irán, al sernos comunicadas con escaso margen de tiempo, fueron suspendidas directamente y las entradas devueltas”, se lamenta a de la directora.

El Festival Internacional de Títeres de Bilbao en sus diez días de duración recogió, además, diversas presentaciones de libros, cursos, homenajes, premios, exposiciones y un concurso de cortos de animación. “Realmente el mayor atractivo para el gran público son las representaciones pero el festival, desde sus inicios, ha querido convertirse en un referente cultural en todos los sentidos, de ahí que aboguemos siempre por un programa diversificado y con otros referentes al margen de las propias escenificaciones”, concluye la directora. “Es lo que nos diferencia de una sencilla programación teatral”.

La exposición de la compañía Panta Rhei, ha ofrecido, además, decenas de visitas teatralizadas. El maestro Haramitsu Hanya de Japón, por su parte, aprovechó su estancia en Bilbao para ofrecer un curso especializado en marionetas autómatas al que asistieron alumnos del Master de Teatro de la Universidad del País Vasco, su satisfacción fue tan grande que decidió donar tres marionetas autómatas al Centro de Documentación de las Artes de los Títeres Bilbao.

Por su parte el premio del Concurso de Cortos de Animación organizado por vez primera por el Festival Internacional de Títeres de Bilbao recayó en Rodolfo Pastor por su excelente trabajo titulado “Nico y Tina”.

Celso Albelo comienza el 2012 añadiendo un nuevo rol a su repertorio

Tras coronar un 2011 de vértigo con el reciente homenaje al gran Alfredo Kraus en el Teatro Campoamor de Oviedo compartiendo escenario con el barítono italiano Leo Nucci, Celso Albelo se prepara ya para afrontar nuevos retos profesionales.

El primero de ellos será el debut en el papel de Lord Percy de la opera donizettiana Anna Bolena que inaugurará el próximo 17 de enero la temporada del Teatro Verdi de Trieste (Italia), en la que el tenor tinerfeño tendrá como compañera de reparto a la soprano italiana Mariella Devia.

A continuación, Albelo volverá a España para presentarse por primera vez ante el público bilbaíno en el Palacio Euskalduna los días 18, 21, 24, 27 de febrero con el personaje de Elvino de L’elisir d’amore.

Sin apenas tiempo para el descanso, el artista enlazará su actividad con otros compromisos que lo llevarán a Japón para un concierto, a Tel Aviv con el Stabat Mater de Rossini y a Valencia para su debut en el Palau de les Arts Reina Sofía, teatro en el que, junto a Plácido Domingo, interpretará la ópera Thaïs de Massenet.

Foto: Joan Tomàs para Fidelio Artist

SONRISAS Y LÁGRIMAS: el 27 de diciembre en el Auditorio Adán Martín, de Tenerife

Desde su estreno en Broadway, donde batió todos los records conocidos hasta la fecha, Sonrisas y Lágrimas, traducida a decenas de idiomas, jamás ha dejado de representarse en algún lugar del mundo. Y ahora ese lugar será España.

Por fin llega a nuestro país y lo hace con más de 40 artistas en escena, una gran orquesta en directo y una escenografía con magníficas soluciones técnicas.

Hasta la fecha, en España, ninguna productora ha afrontado el reto de producir esta obra por las complejidades que representa contar con artistas infantiles y los elevados requisitos de calidad que exige su puesta en escena.

Sonrisas y Lágrimas realizará la gira por España hasta septiembre de 2012 y la próxima temporada en Madrid.

Serán las productoras Drive Entertainment y Vértigo Tours, con gran proyección en nuestro país, quienes afronten la dimensión de esta apuesta y quienes cuentan con la colaboración de Jaime Azpilicueta, pionero director de musicales y con un gran prestigio en España y Estados Unidos.

El estreno en España será el 27 de diciembre en el Auditorio Adán Martín, de Tenerife.

Los protagonistas son Silvia Luchetti (María), Carlos J. Benito (Capitán Von Trapp), Noemí Mazoy (Madre Abadesa), Loreto Valverde (la Varonesa), Jorge Lucas (Max), Paris Martín (Rolf) y Trinidad Iglesias (Frau Schmidt).

Las hermanas del convento son: Amparo Sainar (Hermana Berta), Lourdes Zamalloa (Hermana Sofía) y Angels Jiménez (Hermana Margarita).

Los niños Von Trapp son Yolanda García (Liesl), Jorge Galaz (Friedrich), Marta Ibáñez (Louisa), María Osuna (Brigitta).

Para los papeles de los más pequeños (Kurt, Martha y Gretel) se realizará casting en cada ciudad. Y estarán acompañados por David Castedo (Franz), Ángel Padilla (Herr Zeller), Antonio MM (Elberfeld). Como elenco, Luciana De Incola, Sofía Battaglini, Solange Freire, Christian Escuredo y Pablo Rivero.

LA CAMPAÑA DE TEATRO ESCOLAR DE JAÉN CUMPLE VEINTE AÑOS

Toda una generación de giennenses ha crecido descubriendo y disfrutando la cultura teatral a través de las Campañas de Teatro Escolar de Jaén, que se iniciaron hace 20 años y que se erige en una de las más veteranas y consolidadas de España. Gracias al apoyo de los centros escolares y de las entidades patrocinadoras ha sido posible mantener a lo largo de tanto tiempo la idea pionera de que la práctica totalidad de la población escolar de nuestro entorno pudiera asistir en horario lectivo al teatro como medio de desarrollar actividades pedagógicas e incentivar el tejido teatral.

En la presente edición, más de un centenar de representaciones, adecuadas a los distintos espectros de edad, en el Teatro Darymelia, que contarán con alrededor de 20.000 jóvenes espectadores, incidirán en temáticas tan importantes como el respeto al diferente, el fomento de la lectura, la solución pacífica de conflictos, el respeto al entorno, la igualdad de género… por parte de compañías como “La Machina Teatro” de Cantabria, “Anem Anant Teatre” y “PTV Clowns” de la Comunidad Valenciana, “Hilando Títeres”, “Ángeles de Trapo” y “Tropos Teatro” de Madrid, “Teatro La Paca”, “Escenalia” y “Titirimundi” de Andalucía...

- Y además habrá funciones para público familiar a través de Juntos al Teatro.

- Teatro para jóvenes. Dirigido a centros de secundaria, con obras de corte clásico, y de temática social.

- Teatro para bebés. Con espectáculos para la primera infancia, a desarrollar en el teatro o en los centros de educación infantil.

- Teatro en Inglés. Con espectáculos y cuentacuentos íntegramente en inglés y de carácter interactivo a desarrollar en el teatro o en los propios centros.

Todo ello se completará con materiales didácticos y lúdicos de los espectáculos, y además a la entrada del teatro, los espectadores más pequeños serán recibidos por una animación en la que intervendrán distintos personajes. Asimismo, los asistentes realizarán dibujos entorno de su visita al teatro que se expondrán en el hall del teatro. Y todo, gracias al esfuerzo de colegios, profesores, AMPAS, de la entidad patrocinadora Patronato Municipal de Cultura, Turismo y Fiestas, y de las entidades colaboradoras: Concejalía de Educación, Delegación de Cultura de la Junta de Andalucía, Unicaja – Fundación Caja de Jaén, Diario Jaén y Hotel Europa.

El calendario de las representaciones es el siguiente

XX CAMPAÑA DE TEATRO ESCOLAR DE JAÉN

EL PEQUEÑO QUIJOTE de Teatro La Paca. 22 de Noviembre. 25 y 26 de Abril.

HOLMES Y WATSON por Anem Anant Teatre. 29 y 30 de Noviembre.

PEQUEÑECES por Hilando Títeres. 2 de Diciembre.

LA RATITA PRESUMIDA de Teatro La Paca. 12 y 15 de Diciembre. 8, 26, 27, 28 y 29 de Marzo.

SEÑOR SCROOGE por Ángeles de Trapo. 13 y 14 de Diciembre.

ROBINSON CRUSOE por La Machina Teatro. 31 de Enero.

JUAN FEROZ Y EL LOBO LÓPEZ por Hilando Títeres. 2 y 3 de Febrero.

EL FANTASMA DE CANTERVILLE. 13 de Abril y 6 de Junio.

EL COMESUEÑOS por Escenalia Teatro. 8 y 9 de Mayo.

ENAMORIRSE por PTV Clowns. 15 y 16 de Mayo.

EL REINO DE LOS CUENTOS. 5 de Junio.

TEATRO PARA EDUCACIÓN SECUNDARIA.

LAZARILLO DE TORMES 21 de Noviembre. 10 y 11 de Abril.

EL DESDÉN DE AMAR por La Espada de Laertes Teatro. 23 de Noviembre.

EDIPO, LISÍSTRATA Y COMPAÑÍA. 24 y 25 de Enero.

POR SI ACOSO (UN RESPETO). 30 de Enero.

TEATRO EN INGLÉS.

BONNIE & CLYDE por Face2Face Theatre. 23 de Enero.

ROBIN HOOD por Face2Face Theatre. 13, 14 y 15 de Febrero.

TEATRO PARA BEBÉS.

LA RATITA PRESUMIDA. 7 y 14 de Mayo y 4 de Junio. Y en diversas fechas representaciones en guarderías y centros de educación infantil.

El fraude del Festival VEO de VALENCIA (España)

Hace menos de seis meses, el PP de Valencia ganó las elecciones municipales con un programa electoral en el que se podía leer, como uno de sus objetivos con la cultura y la juventud, la promesa de "Consolidar el festival de teatro, música y danza València Escena Oberta (VEO), como plataforma para promocionar nuevos valores en el ámbito de las artes escénicas y fomentar el contacto entre los artistas y el público". Hace pocos días un diario local publicaba la noticia de que el PP va a suprimir el festival VEO. La reacción ha sido inmediata: se ha constituido la plataforma Veo Indignación que está consiguiendo reunir miles de firmas para pedir al Ayuntamiento "una reflexión seria acerca de su responsabilidad con la cultura y la ciudadanía para la que trabajan. Creemos que no se ha tenido en cuenta la transcendencia de este proyecto y esperamos un cambio en su actitud que rectifique su decisión". La plataforma está sumando amigos cada día a través de las redes sociales, y prepara acciones públicas para denunciar lo que consideran "un fraude electoral".

Según la plataforma Veo Indignación, "la supresión del festival VEO de Valencia es una "demostración de fuerza y un síntoma claro del proceso de privatización que está sufriendo la cultura en manos del Partido Popular en toda España. El Festival VEO no era el tipo de proyecto público al que se pudiera acusar de gestión económica ineficaz: a pesar de que en los últimos 5 años su presupuesto había menguado cerca del 50%, su diseño de programación había conseguido adaptarse a las sucesivas reducciones económicas, manteniendo la calidad artística y la afluencia de espectadores". Pero no ha sido un recorte presupuestario más, sino la aniquilación absoluta, la opción de la Concejala de Juventud, Beatriz Simón, ante un proyecto cuya consolidación prometía en el programa electoral. "Esta operación -señala la plataforma- es un descarado engaño a los ciudadanos valencianos".

El Festival VEO había sido durante 9 años el gran proyecto de la Fundación VEO, dependiente de la Concejalía de Juventud. Afirma la plataforma que "era el único programa de gestión pública directa del Ayuntamiento de Valencia sobre las Artes Escénicas, y era un ejemplo de gestión pública eficaz; sin deudas, sin impagos, sin polémicas, con las entradas casi agotadas en todas sus ediciones, un auténtico vivero de creación artística, pensamiento crítico y crecimiento cultural, para todas las personas (artistas, gestores, espectadores) que se han acercado a él, y un lugar de referencia y encuentro de las artes en vivo no sólo a nivel nacional sino también internacional, como demuestran los apoyos recibidos por parte de profesionales de todo el mundo".

Y ahora a la espera, vigilantes

La plataforma Veo Indignación se mantiene ahora a la espera de que la Concejala de Juventud, Beatriz Simón, anuncie si ha conseguido o no un patrocinador privado para poder abrir la Nave 3, el auditorio dedicado a las artes escénicas que se ha ofrecido como alternativa al Festival VEO, cuya rehabilitación cuesta 3 millones de euros y que supuestamente va a "Enriquecer la oferta de la ciudad en relación con las artes escénicas a través de la programación y ofrecer a los jóvenes artistas la oportunidad de desarrollar su actividad y darse a conocer". O eso dice el programa electoral con el cual el PP ganó las pasadas elecciones municipales. Por el momento, dos de las naves están en uso pero los jóvenes artistas que las utilizan deben pagar un alquiler por los espacios. La Nave 3 se encuentra en obras y su inauguración está prevista para principios del próximo año. "Por eso estamos tan interesados en saber si Beatriz Simón conseguirá el preciado patrocinador, porque de lo contrario esas naves, que nacen sin presupuesto para su funcionamiento, también se van a quedar cerradas".

Más información en: veoindignacion@gmail.com - En Facebook, pulsa aquí ->

Recogida de firmas : www.actuable.es/peticiones/dile-al-ayuntamiento-valencia-no-suspenda-festival-veo

El Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz

Por Jorge Arias

Calificación de nuestro crítico:

* regular - ** bueno - *** muy bueno

La presentación del Festival Iberoamericano de Teatro fue el 18 de octubre en la Casa de Iberoamérica, antigua cárcel de Cádiz, que albergaba una original exposición “Después del diseño”. Hubo palabras de la alcaldesa de Cádiz y presidenta del Patronato del FIT, doña Teófila Martínez Saiz, del Comisario de la exposición, Ramón Ivar y del director del festival Pepe Bablé. En materia de teatro, la inauguración estuvo a cargo de “Perséfone”

* “Perséfone”, por Els Comediants (Cataluña) presentada en el Gran Teatro Falla, recrea el mito griego de Perséfone (o Proserpina, para los romanos). La mitología clásica es densa de pensamientos que deben desentrañarse o decodificarse; es siempre buena lectura. “Els Comediants” utilizó los merecidos prestigios de la leyenda, pero se quedó en la corteza del mito. Prefirió la parte más vistosa, Perséfone, raptada por Hades y habitante de los infiernos, subiendo y bajando una sombría escalera de caracol. Esta proclividad a lo visual devino obsesión; si se quiere hasta una obsesiva perfección plástica, con efectos extraídos del cinematógrafo, como telones de fondo que se abren, se disuelven, se recorporizan y multiplican, como esas interacciones entre personas e imágenes que hemos visto en las producciones del Teatro Negro de Praga. Son deleites para quienes gustaron antaño de los caleidoscopios, ayer del cine y hoy de los videoclips. Como contrapartida, y como sucede siempre que se sobrevalúa la imagen, la palabra fue débil, las letras de las canciones fueron vulgares o, en su mejor modo, ingenuas; el ritmo de la acción se diluyó en episodios arbitrarios. Pero los placeres de los ojos cansan; sólo el pensamiento nos entretiene siempre. “Perséfone” pudo albergar la hermosa idea de la resurrección tras de la muerte, del eterno despertar a la vida y del éxtasis de amaneceres y crepúsculos; la aventura de toda semilla que debe hundirse en el mundo subterráneo para morir pero también para florecer y dar fruto a través de la muerte. También pudo hablarnos “Perséfone” de esa dualidad del Cielo y del Infierno que contiene el hombre; pero las imágenes cinematográficas parecen conspirar contra el pensamiento. (18 de octubre).

*** “Cao que morre nao ladra”, por la Companhia do Chapitó (Portugal). El título, poco atractivo en el papel, contiene un enigma y sugiere un mundo del absurdo que al fin, reconoceremos como el nuestro. El perro, aun muerto, ha de ladrar a través de la garganta de su compungido amo; y la pieza nos invita continuamente a ver más allá de las falaces apariencias; apariencias que los tres personajes se esmeran en cultivar. El simple acontecimiento de la muerte de un perro doméstico, que es un perro de peluche, precipita una cadena de episodios, no menos domésticos, que termina en múltiples, sí que ingloriosas, muertes. La imagen sosegada de la familia, un matrimonio y un hijo ya mayor, es refutada y demolida por la emergencia, a través de las aguas mansas, del ignoto devenir.

La trama, rica en episodios, es vertida con un ingenio y una inventiva que no dan ni se dan respiro. Es un torbellino de imaginación, con “gags” atinados y bien resueltos, con situaciones cómicas con aristas trágicas y momentos macabros que nos hacen reír. Hay una mínima aceleración del ritmo a medida que avanza la historia, para culminar con escenas que aluden a dos o tres planos, los recuerdos de los buenos tiempos familiares, el sombrío presente, quizás los sueños, hasta los delirios.

“Cao que morra nao ladra” es una creación colectiva del grupo: es también uno de los muy pocos casos en que hemos visto funcionar bien ese proceso artístico. No sobra ninguna escena, hay una nítida unidad de estilo y una sólida trama argumental. La interpretación, con escenas que exigen aptitudes de bailarines, acróbatas y prestidigitadores, termina de hacer de esta pieza un fenómeno admirable impar. (19 de octubre).

* “Tratando de hacer una obra que cambie el mundo (el delirio final de los últimos románticos)” de Marco Layera, por “La Re-Sentida” (Chile) dice con sinceridad el Credo de parte de las nuevas generaciones: quienes creyeron un deber intentar cambiar una sociedad fundada en la explotación del hombre por el hombre, fueron unos ilusos. Dicen en el libro del festival: “Pertenecemos a otra generación… a una sin causa...obedecemos a una sociedad del bienestar, somos conscientes de nuestra burguesía” (sic).

Para ilustrar su tesis, que se reduce a una confesión de cinismo, “La Re- Sentida”, luego de tres años de sesuda “investigación”, pone en escena un grupo de actores que llevan cuatro años encerrados en un sótano tratando en vano de escribir una obra que transformará al mundo. Son los ilusos e idealistas, que leen a Erwin Piscator sentados en un water closet, como si esa lectura fuera un buen estímulo para el necesario tránsito intestinal. Todos se atacan, se insultan, se reconcilian, estallan a menudo: en un desdichado momento, que ejemplifica su odio a la cultura, rompen libros que arrojan al público y vociferan por tres veces “¡Váyanse a la concha de su madre!”. Tal parecería que la sociedad de bienestar produce angustia, ira, pasiones: no precisamente bienestar. En cierto momento llega la noticia de que, allá en el mundo exterior, ha asumido el poder un nuevo gobierno que erradicó la pobreza. Fin, abolición y declaración de inepcia para los idealistas.

La obra, con sus infundadas pretensiones de lucidez, con sus inútiles groserías, con su radical incapacidad para crear una sola escena teatral, inspira, más que rechazo, piedad y lástima. (19 de octubre).

* “La Magdalena”. La pieza, de Beatriz Camargo y Nube Sandoval, trata de una María de Magdala que no es la Magdalena de los evangelios, según los cuales ni fue prostituta ni fue lapidada por adúltera, desdichadas circunstancias que suceden a la protagonista. Magdalena monológa en presencia de un hombre vencido, acurrucado en el piso, con las trazas de haber pasado por torturas o malos tratos, hombre que pronto identificamos con Jesús. María de Magdala estaba prometida a un tal Juan, quizás el evangelista; no se hace la boda y ella se entrega sin más a un centurión romano, episodio que marcó el comienzo de su vida airada. Luego esta múltiple Magdalena asume el papel de la Verónica; lienzo en mano enjuga el rostro ensangrentado de Cristo; nos muestra el rostro impreso en la tela y vemos, créase o no, al Che Guevara y oímos zumbido de helicópteros y tableteo de ametralladoras. Más tarde esta Magdalena emprendedora asumirá el papel del hijo de Dios, y consagrará y repartirá el pan y el vino de la última cena. Más aún, cargando un travesaño del que cuelgan de un lado el pan y del otro el vino, se asimila al Crucificado. El efecto general de estos despropósitos fue, como se comprenderá, cómico; y cuesta aceptar que se involucre en una vacua fantasía a seres tan respetables como Jesús y el Comandante.

La realización contuvo, además, momentos difíciles de comprender. Se intentó algo que, a falta de término mejor, calificaríamos de danza, con largos, lentos y elementales movimientos de los brazos de la actriz más un ponerse y sacarse de sobre la cabeza redes como velos; no se ve ni coreógrafo ni bailarina medianamente aceptables. Tampoco comprendimos el sentido de una shekinah al fondo de la escena, ni de una testuz de animal que cada tanto se calza la heroína en la cabeza. (20 de octubre)

** “Zona cuerpo” ballet de Rosario Cárdenas (Cuba), mostró a seis bailarines de un entrenamiento para la danza más que perfecto, que se multiplican hasta parecer un grupo mayor. No captamos del todo la idea conductora que forzosamente tiene esta pieza, que incluye manipulaciones de algún juguete, alusiones anatómicas (boca, lengua) algunos esquicios sexuales bien resueltos y, como un apoyo que por momentos es protagónicos, tres notables músicos que tocan alrededor de doce instrumentos de percusión y que constituyen el único aspecto que podríamos llamar folklórico de esta austera obra (20 de octubre).

*** “Nada del amor me produce envidia”, de Santiago Loza, dirección de Diego Lerman y actuación de María Merlino (Argentina) es admirable por donde se la examine; y su decencia, no la menor de sus cualidades, no merece se la califique de formato pequeño o de “obra menor”. La vida de una costurera de barrio es vista por un buen observador que cuida el detalle significativo que expresa en concisas frases que llevan la trama y a la vez revelan un alma; baste decir que en el curso de la representación nos asaltó el recuerdo de “Corazón simple” de Flaubert y de Françoise, la sirvienta inmortal de “En busca del tiempo perdido”. Todo es simple, y no sólo la costurera carece de pretensiones, pero el autor (Santiago Loza) el director (Diego Lerman) y la actriz María Merlino conocen a fondo su arte. En “Nada del amor me produce envidia” nada sobra: no hay explicaciones, pero minuto a minuto sabemos más y queremos más a la protagonista, que monologa casi para sí, para ese interior de los humildes que, si lo sabemos ver, contiene al universo. Con la introducción, cuando se presenta y se muestra el alma de la protagonista, sería suficiente; las derivaciones ulteriores, con la rivalidad entre Eva Perón y Libertad Lamarque por un vestido de la costurera y el doloroso final están bien urdidas y convencen, pero el arte del teatro ya estaba instalado sobre la escena.

Las partes que componen esta delicada joya, sin perjuicio de que se integran a un todo y no intentan brillos autónomos, son de primer orden. Ya mencionamos las virtudes del texto; la dirección realizó un trabajo tan esmerado, paciente y artístico como los encajes y drapeados de la protagonista. Hubo una armonía de escenario, muy simple pero expresivo, los tiempos escénicos, la iluminación, el sonido fueron excelentes; y aún debemos destacar el vestuario, que también dice del alma de la mujer. En cuanto a la actriz María Merlino, cuya dicción es más que perfecta y que es exacta en tiempos y matices, fueron evidentes sus dotes de cantante (musicalidad, ritmo, buen gusto). Todo ello completó una velada de gozo y deleite para los amantes del teatro. (21 de octubre).

** “Rafael Alberti, un compromiso con el pueblo”, de Salvador Távora, por La Cuadra de Sevilla (España). La cualidad primera del equipo y su director Salvador Távora es, sin lugar a dudas, el coraje. Parece mentira, pero en estos tiempos de una flexibilidad que suele ser conformismo, es valentía una pieza donde se canta tres veces “La Internacional” y que transcurre de comienzo a fin ante un lienzo donde lucen, enormes y blancos sobre una gran mancha de sangre, el martillo y la hoz; y nos reconforta ver y oír una concepción solidaria de la vida, una firme decisión de luchar contra la pobreza, la opresión y la injusticia. Todo ello todo nos hace comulgar con la escena desde el primer minuto; pero hay, además, tanto en la interpretación como en la música y la iluminación, fuerza, entusiasmo, entrega, pasión y un claro sentido de cumplir un rito trascendente, una ceremonia cívica, una declaración de fe.

Los raros méritos de honestidad y verdad que acabamos de exponer no nos permiten ocultar algunos descuentos. La poesía política de Alberti es sincera, es poesía, es hasta poesía profunda; es el soporte del espectáculo; no es lo mejor del poeta, que encontraremos en libros. Como “Sobre los ángeles” y “A la pintura”, temas donde el compromiso del poeta era consigo mismo: con sus mejores ensoñaciones en “Sobre los ángeles” y con su clara afinidad con la plástica en el segundo. En cuanto a la música, permítasenos declarar nuestra falta de afinidad con el abrumador volumen y más aún con Wagner y su mitología germánica; en particular con la “Cabalgata de las valkirias” y su exaltación de la guerra (21 de octubre).

* “El olivo”, de Sally Campusano, por Teatro El Niño Proletario (Chile). La idea argumental y el propósito general tienen interés. Hay un somnoliento bar de un puerto donde los concurrentes, en diversos grados de ingesta alcohólica, exhiben desesperanza, frustración, derrota y abandono: allí llega la noticia del arribo de un barco que podría despertarlos, cambiarlos y, por fuerza, mejorar el estado de cosas. El resultado, que nos parece un producto evidente de una “creación colectiva” mal controlada, es insuficiente. Se acumulan, sin progresión, diálogos que a nada llevan, coqueteos sexuales y divagaciones varias. Al fin, porque el asunto no da más, se introduce una muy vulgar anécdota de infidelidad y celos. Todos los parroquianos se esfuerzan en dar color local, o, en lenguaje intelectual, “identidad nacional”, pero los personajes no interesan, no conmueven; ni siquiera dan pena. La obra termina casi como empezó, en el mismo bar petrificado en el tiempo: al fin de cuentas, no ha pasado nada y no hemos visto nada. (22 de octubre).

* “El viento en un violín”, de Claudio Tolcachir (Argentina). La dominante Lena se ha incrustado en la casa de su amante, la simple Celeste, que vive con su madre, Mecha, doméstica en la casa de Dora, una mujer rica y muy atareada cuyo hijo Darío, (un vago al que, según la madre, sólo le falta arrancar) sostiene una mala relación de terapia con el psicólogo Santiago, a quien Dora intenta sonsacar datos sobre su insuficiente hijo. Las amantes, Lena y Celeste, quieren tener un hijo y no encuentran medio mejor que compeler a punta de cuchillo a Darío, para ellas un desconocido, a poseer e inseminar a Celeste, lo que se logra luego de penosos parlamentos y forcejeos. Viene el hijo; Darío, inesperadamente, reclama su tenencia; su madre, Dora, sostiene que con ellos, la familia rica, se criará mejor. Los cuatro discuten cargosamente la posesión del niño; al fin Darío vivirá con la familia pobre. Este insignificante teleteatro es vertido en el estilo habitual del género: todos los personajes están al borde de la crisis de nervios, todos están sobreexcitados, todos se agreden y se gritan. Como sucede en las otra obras de Tolcachir, como en “Tercer cuerpo” hay una curiosa preocupación con la comida, y se invitan con cortados, galletitas y demás alimentos; como es de rigor, se dice varias veces tanto el insoportable “¿Qué pasa?” como el no menos insoportable “No pasa nada”. Los diálogos son entrecortados, abundantes en monosílabos y vertidos con una naturalidad tan aburridora como falsa; la dirección incurre continuamente en tiempos muertos, como el paseo de Celeste alisando los flecos de la alfombra al comenzar la pieza; otras veces parecería que el director pierde el control de la actuación, que emprende cada actor por su lado.

El éxito mundial de Tolcachir es un ejemplo más de un fenómeno de difusión concéntrica de opiniones erróneas, que señalara agudamente Schopenhauer, una de cuya víctimas más ilustres fue y es nuestro Florencio Sánchez. “La ilusión de la familia Coleman” fue una obra para el examen de fin de año de alumnos de Tolcachir y se ensayó y estrenó en su casa, el apartamento 4 (de ahí “Timbre 4”), de un edificio de la calle Boedo en Buenos Aires. Como obra de alumnos, es una “creación colectiva” impersonal donde los participantes no hicieron sino recordar, tal vez inconscientemente, mil y un teleteatros y quizás algunos sainetes de comienzos del siglo XX. Alguien sentenció que aquella era una familia “disfuncional”, palabra que prestigia a quienquiera la diga; algunas opiniones ditirámbicas, más lo informal del “teatro” en que se exhibía, más la pereza y las pocas ganas de analizar, hicieron de la pieza una obra de culto. Pronto pasó de Boedo a los grandes teatros y a los festivales, y así fue honrada en nuestro teatro Solís y en el festival de Porto Alegre; este es el momento en que decir lo evidente, que la pieza no es mala sino inexistente, parece un sacrilegio. ¡Nadie tiene el mínimo coraje de reconocer un error, nadie se atreve a desafiar esa entelequia llamada “trayectoria”! “Tercer cuerpo”, que la siguió, tuvo semejante éxito; y a partir de ahora, con “El viento en un violín”, un título que como “La omisión de la familia Coleman” poco o nada tiene que ver con la obra, Tolcachir tiene un éxito automático, asegurado de antemano. (Argentina, 22 de octubre).

** “De um lugar para outro” ballet de José Possi Neto por “A Nau de Icaro” (Sao Paulo, Brasil) es un proyecto muy ambicioso en torno a la figura de Exu, la divinidad umbanda que se identifica como el mensajero de los dioses. El espectador desprevenido, que acude al teatro sin leer previamente el libro del festival, no puede advertir que Exú ha leído a Freud y Jung y es “…el Señor del inconsciente, tanto del individual como del colectivo” y ve sólo un chisporroteo de imágenes proyectadas, unas bailarinas que danzan vestidas con pesados y ceñidos trajes que las cubren desde la cabeza a los pies, unos hombres dotados de enormes falos de plástico, en forma de espinosos y verdes cactus. Tiene “De un lugar para outro” los méritos de la competencia profesional de los intérpretes y la sana intención de hacer un ballet brasilero sin concesiones fáciles al “folklore” y la música “popular” (23 de octubre)

*** “Chef” de Jaime Lorca, Christian Ortega y Guillermo Calderón (Chile) se inspira en una carta de Jonathan Swift a un diario donde propone, modestamente, que los pobres vendan a sus hijos con destino a las carnicerías; la trama nos muestra a un chef que vive más allá del borde de la miseria y que se apresta a participar en un concurso televisivo de “chefs”. La obra, brillante de diálogos y soliloquios, contiene variada crítica: la primera es a los “reality show” que fuerzan al chef (Jaime Lorca) a incluir en su demostración episodios crecientemente personales y punzantes; la última, la más clara a partir del monólogo de Guillermo Calderón que cierra la pieza, muestra cómo la ideología de la clase dominante es inyectada hasta en sus víctimas, que, por su causa y en su honor llegan al crimen y al suicidio. La puesta en escena es de gran refinamiento técnico, siempre al servicio de la acción, e incluye las filmaciones, las tomas sobre espejos, la complejísima utilería de los sets de televisión; el ritmo de la trama es perfecto y la relación del chef y su cocina con el siempre agitado mundo exterior está muy bien expresada. (24 de octubre)

* “Las meninas” de Ernesto Anaya Ottone tuvo en México el “Premio a la mejor obra de búsqueda Héctor Azhar” y el “Premio Nacional de dramaturgia Oscar Liera”. La obra como muchas de nuestro Montevideo, intenta respaldarse en prestigiosas figuras del arte, aquí Diego Velázquez de Silva y su célebre cuadro “Las meninas”. Velázquez habría dejado de pintar durante veinte años, en los que persigue en vano ser condecorado con la Cruz de Santiago; luego retoma la paleta, el caballete y el pincel y nace “Las meninas” que lo incluye, precisamente pintando el cuadro que está ante nosotros. Lo que vimos fue una serie de episodios sin interés y aún sin relación con el tema propuesto, vertidos en diálogos de asombrosa vulgaridad y con una repelente tendencia a la grosería (México, 25 de octubre).

*** “Tacita a tacita” ballet de “Teresa Nieto en Compañía” (España). Con la idea de una reunión de amigos que deciden bailar, Teresa Nieto (Tánger, 1953) y su equipo componen un ballet moderno con novedades en coreografía, humor, energía y elegancia. La reunión de amigos es una metáfora de la misma compañía, que festeja con esta obra sus 20 años de actuación, recreando los momentos más significativos de su historia (25 de octubre).

** “Rompiendo códigos” de Hugh Whitemore, dirección del uruguayo Fabián Sales (Costa Rica). El científico inglés Alan Turing (1912-1954), interpretado por Marco Martin, descifra el código del programa nazi “Enigma” lo que contribuye a que Inglaterra gane la segunda guerra mundial; luego quebranta el código penal con una relación homosexual, hasta entonces penada por la ley. Es juzgado y condenado (1952), con el beneficio de la libertad condicional, luego de elegir la castración química en vez de la cárcel, a consecuencia de lo cual se suicida comiendo una manzana impregnada en cianuro. Ingeniosa puesta en escena de una obra menor pero entretenida y de buena factura que en el Uruguay tuvo un éxito sorprendente. Muy buena interpretación, con una curiosa semejanza física entre Turing y el actor. (26 de octubre).

** “Nadie lo quiere creer” por La Zaranda (España) reproduce el estilo estable y el carácter lento hasta la exasperación del grupo, a propósito de una muerte previsible y ávidos herederos presuntos. El estilo de “La Zaranda”, con las frases y palabras distorsionadas hasta desfigurarlas, crea, ciertamente, un clima irreal e irrespirable. A lo largo de su dilatada actuación, el grupo ha cosechado premios y admiradores; debemos confesar, seguramente para nuestra ignominia, que “La Zaranda” nos aburre siempre, de un modo parejo y metódico, no bien comienzan sus espectáculos (27 de octubre).

** “La madre pasota” de Franca Rame y Darío Fo con

* “Cosas nuestras de nosotros mismos” de Juan Margallo y Petra Martínez. La primera parte (de Fo y Rame) es un monólogo de la actriz Petra Martínez que evidencia más de un agregado de su cosecha, entre ellos el término “pasota”, es un coloquialismo español que quiere decir “Persona, generalmente joven, que rechaza las normas o principios de la sociedad establecida, adoptando una postura de total desinterés”. La segunda parte es sólo de Juan Margallo y Petra Martínez, que nos ofrecen un fragmento de su autobiografía conjunta, en un estilo más propio del café concert que del teatro. (España, 28 de octubre).

*** “Villa + Discurso” de Guillermo Calderón. En la primera obra enjuicia valientemente las idas, venidas, retóricas vacías y hasta falsedades que se gastan a propósito de las ruinas de un edificio (“Villa”) que sirvió a la tortura durante la dictadura de Pinochet; los verdaderos problemas pasan al costado. En la segunda, con no menor valentía y determinación, enjuicia el sesgo socialdemócrata, continuador de la política económica de la dictadura, de la ex presidenta socialista Bachelet; como en otros países “progresistas”, se demuestra que la dictadura ha logrado sus propósitos. (Chile, 28 de octubre).

*** “Amarillo” de Gabriel Contreras y Jorge A. Vargas (México) estuvo entre lo mejor del festival, lo que era de esperar en el “Teatro Línea de sombra que ofreciera en el festival de Cádiz del año 2009 “La mujer de antes” de Schimelpfennig. Unió la militancia y una rica panoplia de metáforas apoyadas en efectos plásticos, como paredes que se convierten en espacios, arena que viene de todas partes, algo de ballet, color y ceremonia, con proyecciones simultáneas a la trama que ve el espectador. El punto de partida es un mexicano que, como muchos otros, intentan cruzar clandestinamente la frontera con los EE.UU. y llegar a la tierra dorada de Amarillo, Texas. No ha de volver, y posiblemente, también como otros, haya muerto, deshidratado y delirante, caminando en círculos en el desierto. El director y autor Jorge A. Vargas redime el dolor de lo que sería un mero documento o testimonio llevándolo al nivel de la tragedia clásica, donde los protagonistas, siempre anónimos, tienden una mano al espectador, que también es uno entre tantos (28 de octubre)

* “Duarte” es un ballet sobre una idea de Lino Patalano, con la bailarina Eleonora Cassano (Argentina). Un festival tan abundante en obras de primera categoría debió finalizar con algo mejor que este desprolijo borrador de un posible ballet sobre Eva Perón, al que le falta claridad de exposición, trama argumental, coreografía, escenas diferenciadas unas de otras, y una música distinta de cargosos redoblantes. Las escenas populares, representadas por parejas de bailarines realizando cabriolas, tienen un contraproducente efecto cómico (29 de octubre).

Jorge Arias - Crítico de La República (Uruguay)

Jorge Arias es crítico de teatro en exclusividad para el diario "La República", que ha autorizado esta publicación.

ESTRENO y gira de ni contigo... ni sin ti, de santiago moncada

Un nuevo montaje de Descalzos Producciones llega a los escenarios: NI CONTIGO... NI SIN TI, de Santiago Moncada, con dirección de José Troncoso e interpretación de Ivonne Reyes, Jesús Cisneros, Cristina Peña y Antonio Vico.

Sinopsis:

Irene (Ivonne Reyes), Gabriel (Jesús Cisneros) y Rafael (Antonio Vico) son un trío de música de cámara...y algo más. Llevan más de diez años juntos. Irene se casó con Rafael y vivieron cinco años en matrimonio hasta que se fue a vivir con Gabriel con el que lleva otros cinco. Gabriel y Rafael, cuarentones, son amigos desde la “mili” y en palabras de Rafael: “Ni la música, ni la infidelidad han podido con su amistad”.

“Ni contigo… ni sin ti”, nos cuenta en clave de comedia la crisis de la madurez, de una relación y de la amistad ,cuando aparece en sus vidas María (Cristina Peña), una joven de 23 años con las ideas claras y salen a relucir los deseos, las frustraciones y los desencuentros de tantos años juntos.

“Ni contigo… ni sin ti” nos muestra en tono jocoso, el chantaje emocional en el que se ve envuelto Gabriel por parte de Irene y Rafael, cuando quiere romper con todo y disfrutar del aire fresco que aporta a su vida María.

PRÓXIMAS FUNCIONES

24 de febrero: Montijo (Badajoz) - 25 y 26 febrero: Valladolid - 10 de marzo: Torrent (Valencia) - 23 y 24 marzo: Melilla - 30 marzo: Alfaz del Pi (Alicante) - 5, 6 y 7 de abril: Zaragoza - 13 y 14 de abril: Murcia - 18 de mayo: Talavera de la Reina (Toledo)

LIBERTAD DE EXPRESIÓN ENTRE REJAS

No contenta con haber puesto nariz de clown a militares campesinos y subversivos hace menos de 4 meses en su anterior creación "El Príncipe Andino" en el Perú, más exactamente en "el rincón de los muertos" como es bien conocida por sus habitantes, la ciudad de Ayacucho, o de haber puesto su obra "Sueño Erótico" en Buga, una ciudad Colombiana destacada por su fe cristiana, la semana pasada, el 22 de septiembre, Maloka Rincón, directora y actriz de "TEATRO DEL VINAGRE" estrenó el "CIRCO DE LA VIDA”, con los internos del Centro Penitenciario de Picassent (Valencia – España), una creación en la que dio luz verde a los internos, permitiendo que el teatro sea una verdadera herramienta de comunicación, por lo que fueron ellos los creadores de su propia obra, una pieza creada a partir de las improvisaciones de los mismos y que la misma Rincón luego le diera forma al "Circo" que el grupo planteó.

El circo de la Vida

El circo de la vida es una especie de cuadro en el que se muestran las diferentes etapas de la vida, una pieza en la que la palabra está casi ausente, pero cuando está, tiene un peso contundente, "puedes obligarme a obedecer pero no a que sienta respeto por ti" o "puedes obligarme a hacer el amor pero no a que por ello sienta algo" o la palabra utilizada como puente hacia la risa cuando terminando el ciclo de la vida con sus cuerpos bien compuestos y encorvados uno de ellos lee en el periódico que "van a cambiar los barrotes de hierro por barrotes de "chocolate". Esta es una obra en diferentes claves, se funden el teatro de gesto con el mínimo teatro de texto, el drama con la comedia, el existencialismo, el simbolismo, el absurdo.... Cualquier elemento escenográfico está compuesto por sus propios cuerpos, y como vestuario solo un elemento para cada etapa del ciclo la vida.

Maloka por tercer año en Picassent gracias al SARC

Hace tres años el SARC (Servicio de Asistencia y Recursos Culturales) de la Diputación Provincial Valencia (España) aprobó el proyecto que la actriz y directora presentó, en que apostaba por el Teatro como herramienta para la resiliensia de los internos, un trabajo que habría de abordarse desde la confianza y desde su particular técnica Senso- Experiencial, siempre combinándola con otras técnicas convencionales y necesarias a la hora de poner en escena la obra.

Esta experiencia se planteó para el verano y tras los buenos resultados tanto de los talleristas como de la puesta en escena, se ha ido repitiendo cada verano. La directora afirma que en su sensación de haberse ganado la confianza el primer año en el aspecto artístico de parte no solo de los internos sino de los responsables de cultura y de tratamiento del centro Penitenciario, ella se ha permitido ir evolucionando en el aspecto resiliente, dando cada vez más importancia al proceso que al resultado de la puesta en escena, con la buena fortuna de haber tenido en todo caso una magnífica acogida. De esta manera el primer año hicieron una adaptación de "Te pille caperucita" del autor valenciano Carles Cano, quién afirmo en su día según la misma Maloka, que le había resultado fascinante ver a unos actores divertirse tanto en escena. El segundo año en una vuelta de tuerca presentaron "La pesadilla de una noche de Verano", una adaptación del Sueño de una Noche de Verano, a sus fantasías y el espacio que habitan. Y en este tercer año ya se atrevió a hacer la dramaturgia producto de la mirada al mundo de los propios actores.

Mención de Honor y estatuilla en su trayectoria

María Isabel Rincón, conocida como Maloka en el ámbito artístico, empezó con su labor pedagógica hace 20 años y desde entonces no ha dejado su búsqueda, investigación y experimentación constante en nuevos y propios lenguajes expresivos. Adora el trabajo con actores no profesionales por ser "vírgenes" y libres en las búsquedas y asegura que sin querer sus alumnos se han convertido en el alimento de sus propias creaciones. Incluso durante su paso por el teatro comercial, Maloka continuó su investigación pedagógica. El último paso por América, en el que dictó talleres tanto en universidades como en poblaciones de riesgo y en asentamientos humanos de víctimas de violencia política, le dejó una estatuilla por su labor promocional de la cultura de la Universidad Nacional del Callao en Lima, y una Mención de Honor de una comunidad Indígena de Pampacangallo- Ayacucho.

Maloka está invitada por La Comisión de derechos humanos en Perú para trabajar con las Víctimas de Violencia Sexual durante el conflicto interno, invitación en la que aseguran no haber visto resultados tan positivos en tan poco tiempo como los vieron en los talleres dictados por la actriz y en la puesta en escena de “Príncipe Andino" producto de los mismos talleres.

En las imágenes: Grupo de talleristas y un ensayo en Picassent.

EN PREESTRENO EUROPEO, UNA OBRA TEATRAL SOBRE LOS COLORES: TRILOGIA QUASI DANTESCA DE ALESSANDRO TADDEI

Por Luigi Esposito

El Napoli Teatro Festival Italia un año más, abrió sus puertas al público internacional con la intención de llevar el teatro fuera de los teatros y el espectáculo estrenado en septiembre como premier europea, nos propone un viaje desde la oscuridad hacia la luz, donde los colores son la clave para las sorpresas de la imaginación. 48 adolescentes palestinos, turcos, alemanes, italianos y libaneses son los protagonistas de este viaje los cuales, a través de la “Trilogia quasi Dantesca” de Alessandro Taddei, llevan a escena el resultado de un taller de tres años en el que han estado involucrados con familiares y sus escuelas.

La idea nació en 2008 en Palestina gracias al taller Colori del Mediterráneo que, junto con la Asociación Ponte Radio, dio inicio a una serie de cursos sobre el lenguaje y la comunicación en cuatro ciudades: Jenin en Palestina, Berlín en Alemania, Alfonsine en Italia y Tiro en el Líbano. De la experiencia nació este espectáculo que consta de tres partes autónomas e interconectadas, con una duración de 30 minutos cada una: Nero Inferno (Negro Infierno), creada en Jenin en 2008, Rosso Purgatorio (Rojo Purgatorio), concebida en 2009 en Kreuzberg (Berlín) y Alfonsine y Bianco Paradiso (Blanco Paraíso) realizada en 2010 en Tiro, Líbano. Centrada en el valor de la comunicación, la representación hace uso de todas las formas de lenguaje no verbal: la pintura, la música, la danza, la mímica, la iluminación, los códigos de expresión universal. La referencia a la Divina Comedia de Dante Alighieri se limita a la idea de un viaje interior hacía la búsqueda de la luz. No hay referencias religiosas ni juicios morales de los lugares utilizados, sino más bien, lo que pretende el director es captar la atención del espectador a través de los adolescentes, hacía un viaje ideal por el Mediterráneo, por sus maravillosos entornos, donde los colores se transforman en una potente metáfora.

Colori nel giardino es una red que conecta el Mediterráneo con Palestina, Alemania, Italia y Líbano, en una experiencia que involucró a 150 personas, incluidos adolescentes, familias, artistas, maestros, periodistas e instituciones.

La “Trilogía quasi Dantesca” representa la segunda fase de un proyecto más amplio desarrollado por Alessandro Taddei con la Asociación Ponte Radio, que forma parte de la red ética Artha: la primera fase ha contado con 160 niños de Alfonsine y Tuzla, en Bosnia-Herzegovina, en dos programas – “Sul confine” (En el confín) y “Kroz Ogledalo” (A través del espejo). La etapa final, que se estrenará en el año 2012, ofrece un lugar de encuentro para los distintos escenarios que se sitúan en Italia, Alemania, Bosnia-Herzegovina, Líbano y Palestina: el nuevo taller se abrirá en cuatro ciudades de cada uno de estos países, en el cual participarán grupos de 10 chicos (entre 14 y 16 años) en la preparación conjunta de un audio libro en cinco idiomas para la plataforma de Internet “Babel”.

Luigi Esposito

El teatro se instala en las aulas de Granada a través del proyecto Encompañía

En Granada (España) existe un gran número de compañías y artistas de reconocido prestigio dedicadas al teatro para niños y jóvenes. Sin embargo, la población escolar de la provincia prácticamente desconoce este patrimonio o bien no recibe oferta escénica de ningún tipo. Para invertir esta situación, siete compañías granadinas se han reunido para crear un programa estable que permita, a partir del curso 2011/12, poner en contacto y propiciar ámbitos de colaboración entre las Artes Escénicas profesionales granadinas y la comunidad docente.

La iniciativa Encompañía está impulsada por las compañías Da.Te Danza, Histrión, LaSaL, Laví e Bel, MagoMigue, Remiendo Teatro y Titiritrán, compañías profesionales de contrastada experiencia tanto en lo artístico como en la gestión. Prueba de ello son las giras nacionales e internacionales, y los galardones que glosan sus trayectorias, entre los que destacan los premios Max y SGAE y reconocimientos en las ferias de Palma del Río, Lleida, Huesca y Fetén, entre muchos otros. A ellos se une una empresa con una dilatada experiencia en la gestión y producción cultural como es OpenCultura.

Además del componente educativo, Encompañía tiene como propósito poner en valor un gran número de espacios escénicos de la provincia, poniendo en marcha un modelo de colaboración desde la gestión privada con las instituciones públicas, de modo que además del diseño de un plan de actividades en los centros, se va a proceder a la organización de campañas escolares, durante todo el periodo lectivo, en teatros repartidos por toda la provincia. Ya se han adscrito al programa los ayuntamientos de Alfacar, Santa Fe, Salobreña, Huétor-Tajar y Alhendín, y otros se han mostrado igualmente interesados.

A diferencia de otros programas escénicos que se desarrollan en el ámbito escolar, Encompañía aunará la exhibición de espectáculos de contrastada calidad artística con sus respectivos componentes formativos, de forma que se ofrezca a la comunidad educativa un servicio completo que cumpla las expectativas detectadas en el ámbito de la docencia, todo con el sello 'Hecho en Granada'.

Los colegios que se quieran adscribir al programa a través de la web www.teatroparaescolares.es accederán a una selección de espectáculos de todas las disciplinas y formatos que abarcan todas las franjas de edad escolar, desde los tres hasta los dieciocho años. Está previsto que, en esta primera campaña, la programación tenga lugar entre los meses de enero y mayo de 2012.

La labor pedagógica del proyecto se reforzará con la elaboración de fichas didácticas, talleres previos de apreciación de la obra, encuentros con los miembros de las compañías y organización de debates. Asimismo, para una segunda fase del programa, se contempla el desarrollo de otras actuaciones, como publicaciones, el montaje de funciones en inglés, la puesta en marcha de talleres de teatro, danza, circo y títeres para alumnos y profesores, y la creación de un certamen de teatro escolar.

Este proyecto nace, en una primera instancia, circunscrito a la provincia de Granada, pero tiene vocación de expandirse en el medio plazo a otras provincias andaluzas y está prevista la incorporación de otras compañías teatrales.

Para más información: ENCOMPAÑIA. Open Cultura. Equipo de Producción. Teléf. 958 215641.

contacto@teatroparaescolares.es - www.teatroparaescolares.es

programa de visitas escolares LAS MARAVILLAS DEL TEATRO en Pamplona

La Fundación Municipal Teatro Gayarre, en colaboración con el Área de Educación y Cultura del Ayuntamiento de Pamplona, va a desarrollar durante la presente edición 2011-2012 la decimoprimera temporada consecutiva del programa de visitas escolares “LAS MARAVILLAS DEL TEATRO”, cuya ejecución es llevada a cabo por la Escuela Navarra de Teatro. Esta cooperación entre las tres instituciones ha propiciado que durante el desarrollo de las diez ediciones precedentes hayan sido 10.728 los alumnos de 4º de Primaria los que han asistido a las 222 funciones que se han programado.

“LAS MARAVILLAS DEL TEATR0” es un programa de visitas escolares dirigido a los alumnos de 4º de Primaria de los centros de enseñanza de Pamplona que tiene como objetivo fundamental el de propiciar el acercamiento de las artes escénicas, en este caso el teatro, a los escolares e implicar a la vez al profesorado en ese proceso, para el que se ha editado una guía didáctica con la que profesores y alumnos pueden trabajar antes y después en las aulas, evitando así que la experiencia no se quede en la mera anécdota de haber ido un día al teatro

El programa se desarrolla, en principio, en forma de visita guiada. Los alumnos son recibidos en el vestíbulo del teatro por una compañía de cómicos de la legua perdida en el tiempo. Tras ese primer encuentro, los alumnos se dividen en grupos y recorren las distintas estancias del edificio (camerinos, escenario, palcos, plateas, etc) para darse finalmente todos cita en el patio de butacas para presenciar la puesta en escena, por parte de esa compañía de cómicos de la legua, del entremés de Miguel de Cervantes “El retablo de las maravillas”.

Este programa podría definirse como una escuela de espectadores que, en virtud de esa colaboración entre Ayuntamiento de Pamplona, Fundación Municipal Teatro Gayarre y Escuela Navarra de Teatro, propicia además la realización de una media aproximada de 24 funciones anuales de un espectáculo que permite que desarrollen su labor anualmente una docena de profesionales entre técnicos de escenario y actores.

Acercar las artes escénicas a los escolares, lograr la implicación del profesorado en este proceso, y propiciar el desarrollo de los gremios profesionales en torno a las artes escénicas son, por tanto los tres campos a los que se dirige este programa de visitas escolares que en esta su undécima edición ha programado 24 nuevas funciones.

Las fechas previstas para la campaña 2011-2012 son las siguientes:

2011: 7 y 21 de noviembre (9.15 y 11.00 horas) y 12 de diciembre (9.15 y 11.00 horas)

2012: 30 enero (9.15 y 11.00 horas) - 13 y 27 de febrero (9.15 y 11.00 horas) - 12 y 26 de marzo (9.15 y 11.00 horas) - 16 y 23 abril (9.15 y 11.00 horas) - 7 y 14 de mayo (9.15 y 11.00 horas).

Pabellón Nº 6, de Bilbao, busca nuevos públicos tras presentar las instalaciones en Aste Nagusia

Tras haber cumplido el objetivo inicial de presentar al público las instalaciones del Pabellón Nº 6 con una programación que ha ofrecido tanto espectáculos de tarde como las ‘Sesiones golfas’ para los más noctámbulos, los promotores de esta iniciativa ubicada en Zorrozaurre, en Bilbao, abordarán nuevos retos encaminados a la búsqueda de nuevos públicos. La programación ofrecida durante la Aste Nagusia consistía “la mitad en la presentación del espacio y la otra mitad en la exhibición de espectáculos”, según apuntó Ramón Barea, uno de los impulsores del Pabellón Nº 6, que se mostró satisfecho “y moderadamente optimista por la reacción que ha tenido la ciudad respecto a la propuesta que le planteábamos”.

Una vez concluido este período de presentación, Pabellón Nº 6 pretende abordar nuevos retos consistentes en atraer a nuevos espectadores teatrales. Para ello Barea indicó la necesidad de “acercarnos a los alumnos de centros escolares de Deusto, San Ignacio y otras zonas próximas; ofrecer procesos coreográficos que van desde la creación hasta la exhibición de una pieza, y también, establecer sinergias con artistas de otras disciplinas que, como nosotros, forman parte del proyecto ZWAP”.

Tras haber alcanzado la cifra de 200 socios fundadores, los promotores de Pabellón Nº 6 barajan la posibilidad de establecer una Fila 0 dirigida a empresas y a otras entidades que aporten nuevos recursos económicos. Estos ingresos se dirigirán a dotar las instalaciones con gradas, la ampliación del espacio escénico y otras mejoras en el equipamiento.

La apertura de Pabellón Nº 6 en Zorrozaurre en el marco del proyecto ZWAP (Zorrotzaurre Art Working Progress) para impulsar el arte, la creación y la innovación, se ve avalada por el premio concedido por la tertulia que se desarrolla en el Hotel Ercilla y que coordina el periodista Javier Reino. Los participantes en esos coloquios han reconocido la labor desarrollada en Pabellón Nº 6 con un galardón que reconoce la innovación de la propuesta que acaba de ponerse en marcha en Bilbao.

Más información: http://pabellon6.org/

La compañía RAKATá con Enrique VIII, representará a los países de lengua castellana en las Olimpiadas Culturales de Londres 2012

La compañía de teatro RAKATá, especializada en el teatro del Siglo de Oro español y que actualmente se encuentra representando El Castigo sin Venganza en el Teatro Alcázar de Madrid, ha sido seleccionada para participar en los actos culturales que se celebrarán en Londres 2012.

Dentro del marco de las Olimpiadas, que tendrán lugar en el 2012, en la ciudad de Londres, se van a organizar paralelamente unas Olimpiadas Culturales. En teatro, el responsable de la organización de este evento es el Shakespeare Globe Theatre, que exhibirá desde el mes de mayo los 36 textos de William Shakespeare, en 36 idiomas distintos, y por 36 compañías de todo el mundo (en su mayoría pertenecientes a las compañías nacionales de cada uno de esos países).

De estas compañías, no todas actuarán en el mismo Globe...RAKATá sí lo hará. La compañía se desplazará a Londres con el encargo de exhibir Enrique VIII, obra basada en la vida de este Rey, en su relación con Catalina de Aragón y con la corte Española, y estará en el escenario del Shakespeare Globe Theatre del 27 al 31 de mayo de 2012.

El proceso de selección de las compañías se hizo a través de las delegaciones de cada uno de esos países en Londres, y de sus ministerios de cultura, en primer término. Posteriormente y en una segunda etapa, Dominic Droomgole, Director Artístico del Shakespeare Globe Theatre, visitó a todas las compañías para ver los espectáculos de esos proyectos preseleccionados.

Tras su visita a España, y después de presenciar varias producciones, asistió a una de las funciones de El Castigo sin Venganza en los Teatros Canal. Le gustó tanto la obra que se quedó después de la representación, y tras una larga conversación en la que les llegó a comparar con la compañía Cheek by Jowl de los primeros años, ya les adelantó que serían ellos los que estarían representando a la lengua castellana (esto significa que no solo representan a España, sino a todos los países donde se habla el castellano) en las Olimpiadas Culturales de Londres 2012.

La compañía, creada en 2003 ha puesto en pie seis producciones de teatro clásico. Estrenada en el Teatro Lope de Vega de Sevilla en 2010, El Castigo sin Venganza de Lope de Vega ha estado de gira por Sudamérica y España. Actualmente esta en cartel, en el Teatro Alcazar de Madrid, de martes a domingos y hasta el 4 de septiembre. Una magnífica oportunidad para disfrutar de un texto clásico en una puesta en escena alabada por la crítica y que ha sido la llave para abrir las puertas a una compañía española en el más prestigioso teatro clásico del mundo, el Shakespeare Globe Theatre.

EL FESTIVAL DE MÉRIDA SUFRE LA CENSURA DE QUIENES CONSIDERAN QUE UNA FOTOGRAFÍA "ATENTA CONTRA LOS CRISTIANOS"

Un retrato, realizado por el fotógrafo Sergio Parra, del actor Asier Etxeandía caracterizado de Jesucristo hecho minutos antes de salir a escena en una representación de Infierno, una versión del esloveno Tomaz Pandur, sobre La Divina Comedia de Dante Allighieri, ha creado un conflicto en el Festival de Mérida.

En relación con este incidente, Blanca Portillo y Chusa Martín, directoras del Festival, han hecho público el comunicado que publicamos más abajo

Mérida, 28 de julio de 2011.

Tras la recepción de varios correos electrónicos firmados por ciudadanos, la Dirección del Festival de Mérida ha considerado oportuna la retirada de una pieza de la exposición fotográfica “Camerinos” que, según dichos correos, "atenta contra los cristianos". No obstante, desea hacer públicas una serie de reflexiones que considera importantes:

- En el ánimo del Festival jamás ha estado ni estará la intención de ofender, insultar ni vulnerar los derechos individuales o colectivos de nadie.

- El arte es siempre y por encima de todo un espacio de libertad cuyo objetivo nunca es ofender sino mostrar y mover a la reflexión.

- La exposición fotográfica "Camerinos" no contiene precisamente una serie de posados o fotografías "compuestas" por el autor, sino que este, simplemente se limita a ser espectador, observador del trabajo de los actores en sus camerinos, por tanto la dicha foto simplemente recoge un hecho que estaba sucediendo en el momento en que un actor se estaba preparando para hacer su trabajo, un trabajo a las ordenes de un director de escena que es quien decide cómo se viste y se maquilla el personaje (en el caso de la dicha foto, Tomaz Pandur fue quien dirigió esta función, titulada "Infierno" basada en “La divina comedia” de Dante Alighieri y representada en el teatro María Guerrero de Madrid)

- Retirar una pieza de una exposición supone romper una línea de trabajo diseñada por el artista, lo cual es siempre una forma de destrucción de un discurso.

No obstante, entendiendo todos los seres humanos tenemos legítimos derechos y en base a nuestro profundo respeto a ellos, como decía, hemos procedido a retirar la fotografía. Así mismo, queremos hacer público nuestro agradecimiento al artista Sergio Parra, por su colaboración y comprensión. Insistimos en que el Arte nunca tiene como objetivo ofender y lamentamos profundamente que así haya sido percibido. Lamentamos también que las personas que no se sienten ofendidas por esa fotografía tengan que verse privadas de su contemplación, ya que, tras una encuesta realizada por el Festival, la Exposición Fotográfica “Camerinos” goza de la más alta valoración por el noventa y cinco por ciento de los encuestados.

Blanca Portillo y Chusa Martín - Directoras del Festival

El alma sale a escena

(Un reportaje de Juan Vinuesa)

Profesionales del sector escénico andaluz unen sus voces en el Encuentro de investigación teatral entre actores y directores, que llegará a Granada este otoño.

Sucedió en Andalucía. Apenas se ha cumplido un año desde que la creación teatral decidiera lanzarse al vacío sin ningún pudor; y a este valiente arrojo poco le preocuparon cuáles fueran los resultados finales ya que se ponía todo el empuje en el proceso y aprendizaje. Los protagonistas fueron artistas andaluces que unieron sus voces y miradas para retar al teatro. Lo miraron a la cara, lo desafiaron y, durante varias jornadas, le hicieron reír, llorar, y le provocaron un grito que demostró que, efectivamente, este arte se encuentra vivo. Sólo es necesaria la voluntad de revolucionarlo y, en este caso, ocurrió gracias al Encuentro de investigación teatral entre actores y directores.

Se lanzó un plan de ataque: cada una de las entregas pasaría por las ciudades de Sevilla, en el espacio de la Sala Cero; Málaga, en La Caverna de la Calle Amores, y Granada, en la sede de Remiendo Teatro. El I Encuentro ya ha pasado por las tres; el II Encuentro lo ha hecho por Málaga y Sevilla y, el próximo otoño, llegará a Granada; tres puntos clave repartidos entre Andalucía Oriental y Occidental, que aúnan las fuerzas del teatro de toda la Comunidad Autónoma.

Los encuentros fueron ideados por el creador Julio Fraga quien, para los dos primeros, se ha apoyado en el talento del joven autor algecireño Luis Felipe Blasco Vílches y sus textos Y estoy guapa y El valiente. A lo largo de su trayectoria, Blasco Vílches ha escrito poesía y prestado su agudeza a guiones de videojuegos o televisión (sectores en los que ha obtenido varios premios) aunque su verdadero campo de trabajo es la escena. No obstante, en su estantería reposan galardones de la talla del García Lorca de teatro, en dos ocasiones, o el Luis Barahona Soto, en su modalidad infantil.

Durante el I Encuentro, los participantes trabajaron sobre cuatro escenas de Y estoy guapa, actualmente de gira con la compañía Tenemos gato. La obra narra el día a día de una pareja que asiste a la ruptura de sus vidas en común, al miedo a dar el paso de verbalizar el desamor, o a la duda de no hacerlo y caer en la inercia, en la miseria humana del conformismo. Esta primera entrega se dividió en dos jornadas intensivas, iniciadas con una primera lectura que, al instante de finalizar, invitó a la letra a traspasar los cuadernos para agarrarse a las tablas y vísceras de los artistas participantes. En el trabajo, la práctica se situó por encima de la teoría: actores y directores trabajaban durante quince minutos una misma escena repartidos en varios equipos. Cuando cada uno de los grupos tenía una propuesta, la mostraba al resto de compañeros. Y el texto que unos habían trabajado como dramático, a otros se les ocurrió llevarlo a la comedia; el tono tierno de un equipo mutó en trágico en otro; o el acontecimiento que unos presentaban bajo el código del entremés, otros hacían lo propio a través del teatro musical. De esta manera, no sólo se viajó por los matices; también se transitó por los diferentes estilos teatrales. Tras la muestra de una de las perspectivas, ésta se enriquecía con los comentarios de los compañeros, las sensaciones de los actores y directores que le habían dado vida y la mirada del propio Fraga, para crear un cuadro común. En torno a los seminarios se han reunido jóvenes promesas de la escena andaluza arropados por artistas consagrados sumados a la iniciativa. Diferentes generaciones unen así sus miradas para, conjuntamente, buscar la verdadera creación exenta de artificios.

El éxito de esta primera edición sentó las bases para la llegada del II Encuentro de investigación teatral para actores y directores. En esta ocasión, los participantes se adentraron en el texto El valiente para dar voz a los oprimidos, a la problemática de la inmigración y a la guerra. A unos ásperos perfiles presentados de forma tan cotidiana, que estremecen. En todo el proceso, Julio Fraga y los directores no dejaron de incidir en ciertos aspectos que pertenecen a la esencia teatral: la proyección de voz, la dicción, la conciencia corporal o el trabajo en equipo, han sido las herramientas para explorar el interior de los personajes.

Este II Encuentro comenzó en Málaga el pasado mayo y, en junio, viajó a Sevilla. En esta ocasión, Fraga quiso dar un paso al frente y propuso abordar una obra completa durante una semana. Además, hizo que cobrase fuerza aquella tesis que apoyaba Brecht: "hay teatro, si se va al teatro" y el último día se abrieron las puertas al público para brindarle esta indagación artística, con la consigna de que este acto no iba más allá de una clase abierta.

Tras el éxito obtenido, la librería sevillana Un gato en bicicleta acogió el pasado día 22, dentro del ciclo Un gato en proscenio, un balance de los encuentros, en los que han participado unos 70 artistas en su totalidad. Un número que aumentará cuando la iniciativa llegue a Granada el próximo otoño dispuesta a demostrar que, en la investigación actoral, las respuestas encontradas se convierten en oro, pero son los interrogantes del camino los que hacen que sea el corazón el que juegue en escena. Atrás queda la razón.

Juan Vinuesa

Juan Vinuesa (Granada – España)

Este texto fue publicado en el diario Granada Hoy y se reproduce con permiso del autor

la compañía castellonense TEATRE DE L'HOME DIBUIXAT regresa de su gira caribeña

La compañía castellonense EL TEATRE DE L'HOME DIBUIXAT y su alma mater, el vinarocense Tian Gombau, regresa de la gira caribeña que le ha llevado a Costa Rica, República Dominicana y Haití.

El premiado espectáculo "Piedra a piedra", ha participado en diversas programaciones teatrales en las capitales de los tres países caribeños, entre las que cabe destacar el VII Festival Internacional de Teatro en Santo Domingo.

El actor vinarocense ha impartido asimismo dos talleres de formación actoral en el Taller Nacional de Teatro de San José de Costa Rica y en el Centro Cultural de España en Sto. Domingo.

Pero sin lugar a dudas, la experiencia más impactante en esta gira, ha sido la estancia en Puerto Príncipe, capital de Haití y la realización de dos funciones de la obra. En palabras de Tian Gombau, "Es doloroso comprobar como la población de Haití sufre en exceso las agresiones de la especie humana sobre si misma y la fuerza desmesurada de la naturaleza sobre el territorio. Es el país más pobre de América y uno de los cinco más pobres del mundo. Conozco prácticamente todos los países americanos, pero la miseria que he encontrado en este pequeño pedazo de África en el Caribe, no tiene nombre, duele y te deja marca. Al volver a Castelló, celebras el haber tenido la suerte de nacer en esta zona del planeta y las imágenes y recuerdos del viaje se acumulan allí donde la tristeza te habita".

Con estas funciones, la compañía cierra una temporada teatral 2010-2011 que se ha caracterizado por su proyección internacional. Y es que, esta pequeña compañía castellonense, ha realizado en esta temporada más de 200 funciones por España, Portugal, Francia, Suiza, Marruecos, México, Costa Rica, República Dominicana y Haití.

La próxima temporada 2011-2012 se presenta cargada de funciones y compromisos a destacar. Y sin lugar a dudas, una de las citas más esperadas por la compañía es la participación con "Pierre à pierre" en la programación de la XVI edición del Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes de Charleville-Mézièrs en Francia. Un festival bienal, que cumple el próximo mes de septiembre sus 50 años de existencia. Compañías de todo el mundo se dan cita en este acontecimiento que los titiriteros califican como "La Meca" de las marionetas. Para 2011 participaran, según datos de la organización, más de 150.000 espectadores. Sin lugar a dudas, un momento ideal para que el hombre lata, protagonista de "Piedra a piedra" dé a conocer al mundo su particular universo emocional y poético.

Otro de los momentos dignos de mencionar es la gira que en octubre les llevará por diversas ciudades de Australia. Y después de estas citas, más de un centenar de funciones de la obra en sus versiones en catalán, castellano, euskera, francés, inglés y portugués.

Contacto: teatre@homedibuixat.com

Aran Dramática sube a Internet su espectáculo Tejas Verdes

La compañía teatral pone a disposición de los internautas en su canal de You Tube la versión íntegra de la obra “Tejas Verdes” de Fermín Cabal representada en el Teatro La Grada de Madrid hace cinco años.

En “Tejas Verdes”, texto que recrea un episodio de violación de derechos humanos durante el régimen de Augusto Pinochet en Chile, María Luisa Borruel, encarna a cinco personajes (desaparecida, doctora, sepulturera, abogada y delatora) a través de los cuales recrea la atmósfera de horror, crueldad, y pragmatismo deshumanizado que implantó el golpe militar.

En su última crítica teatral el fallecido Eduardo Haro Tecglen, describía en El País el espectáculo como un “grito sincero y valiente”, destacaba la “vehemencia contenida” del texto de Fermín Cabal y resaltaba el trabajo de Borruel: “tiene una voz muy buena para esto, y sus actitudes son comedidas dentro de lo que la tragedia permite. Muy buena actriz”. Por su parte, Juan Ignacio García Garzón escribía en ABC: “María Luisa Borruel encarna admirablemente a todos los personajes que convergen en uno en una interpretación intensa y sin fisuras. Eugenio Amaya la dirige en un montaje que sobrecoge, en el que se proyectan imágenes de aquellos años en los momentos de transición entre escenas; un espectáculo que golpea con un redoble seco las conciencias como recordatorio y advertencia de los muchos rostros con que la infamia se disfraza”. Por último, el crítico Enrique Centeno decía: “dramático poema estremecedor de Fermín Cabal…la solitaria actriz María Luisa Borruel, en un ardiente e impresionante trabajo que demuestra su gran talento, salta desde la tragedia teatral hasta los testimonios históricos…Al sentimiento del autor y de la actriz, se une la cuidada dirección de Eugenio Amaya. El público no solamente aplaudió insistentemente, sino que salió del espectáculo casi en silencio, impresionado.”

El texto de Fermín Cabal, autor con quien Aran Dramática ha colaborado en varias ocasiones, incluidos tres espectáculos para el Festival de Mérida (“Electra”, “Medea” y “Agripina”), ha sido traducido a varios idiomas y se ha representado con éxito en varios países. El autor manifiesta que la iniciativa de colgar la obra en la red le parece estupenda. “Esta obra ya no es sólo mía, sino de todo el mundo y creo que internet sirve precisamente para esto, dar a conocer nuestro trabajo al público y cuanto más, mejor. Es nuestra responsabilidad aprovechar cualquier medio para conectar con el público”.

En la creación de “Tejas Verdes” (banda sonora y montaje audiovisual) participaron jóvenes creadores y artistas de Badajoz que contribuyeron a la realización del espectáculo y que, por primera vez, intervenían en un montaje teatral.

Al espectáculo se puede acceder a través del blog de la compañía en el enlace: http://blogarandramatica.blogspot.com/ y directamente en esta dirección: http://blogarandramatica.blogspot.com/2011/04/tejas-verdes.html

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	Pedra a pedra, del TEATRE DE L’HOME DIBUIXAT. se representará en coreano
	*CICLO DOMINGOS DE TÍTERES 2012* en Bilbao**
	PROGRAMACIÓN DE LA BARCA OTRO TEATRO (SEVILLA) PARA EL MES DE FEBRERO
	Teatre Goya (Barcelona) presenta El tipo de la tumba de al lado
	Carlo Colombara vuelve al Liceo de Barcelona con 14 funciones de La Bohème
	ACTA, la Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Andalucía, reacciona ante la cifras de la última producción del Centro Andaluz de Teatro hechas públicas por la Junta de Andalucía
	Presentación de la Unión de Actores de la Región de Murcia
	35 ESPECTÁCULOS DIFERENTES CONFORMAN LA NUEVA TEMPORADA DEL TEATRO GAYARRE de Pamplona QUE SE EXTIENDE DE ENERO A MAYO
	comunicado de Las principales asociaciones valencianas del sector del teatro, la danza y el circo sobre el retraso de las ayudas municipales
	LLORAR A CARCAJADAS (Un reportaje de Juan Vinuesa sobre la Compañía Caramala)
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